J. Paul Getty Müzesi

J. Paul Getty Müzesi


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

Kaliforniya, Malibu'daki J. Paul Getty Müzesi, San Diego Otoyolu'nun hemen dışında, Santa Monica Dağları'ndaki bir tepenin üzerinde yer almaktadır. Sanatın aydınlatıcı bir etki olduğunu düşündü; onun bakış açısı müzenin başlangıcına yol açtı. İlk olarak 1971'de inşa edilen Getty Müzesi, Getty'nin Orta Çağ'dan günümüze Batı sanatı koleksiyonunu dramatik mimari, sakin bahçeler ve Los Angeles çevresinin nefes kesici manzaralarına karşı sunuyor. Pasifik Okyanusu, San Gabriel Dağları ve şehrin uçsuz bucaksız sokak ızgarası. Amacı, holdingleri sunarak ve yorumlayarak koleksiyonu ziyaretçiler için çekici ve anlamlı kılmaktır. Koleksiyonlar arasında Avrupa tabloları, çizimler, el yazmaları, heykel ve dekoratif sanatlar ile Avrupa ve Amerikan fotoğrafları yer alıyor. Müze, resim koleksiyonlarına 1930'larda Getty'nin kendisinin zeki liderliği altında başladı. Geniş kapsamlı koleksiyonda Kuzey İtalya Rönesansından tablolar, İtalya ve Flanders'dan Barok resim, 17. yüzyıl Hollandaca ve 18. ve 19. yüzyıl Fransız eserlerinden resimler sergilenmektedir. Fotoğraf Bölümü'nde 1984'te elde edilen dokuz koleksiyon ve diğer birkaç fotoğraf bulunmaktadır. Çizimler Paul Gauguin, Vincent Van Gogh ve daha yakın zamanda Michelangelo'nun nadir bir çizimi müzeye belli bir hayranlık katıyor.J. Paul Getty'nin Avrupa heykel koleksiyonları arasında İtalyan Rönesansı, Fransız ve İngiliz Neoklasik Döneminden ışıltılı parçalar yer alıyor. J., müzenin ününü perçinledi. Getty Museum Trust, J.'yi bir eğitim merkezi ve müze olarak açtıklarında başka bir kültürel dönüm noktası yarattı. , Getty Villa, antik Yunanistan ve Roma'nın sanat ve kültürlerinin araştırılmasına adanmıştır. Koruma, J. Paul Getty Müzesi'nin temel bir sorumluluğu ve Müze misyonunun önemli bir unsurudur.


*Opak bir kalay oksit sırına sahip toprak kaplar, genellikle çok süslüdür.


Getty Merkezi

NS Getty Merkezi, California, Los Angeles'ta Getty Müzesi ve Getty Trust'ın diğer programlarının bir kampüsüdür. 1,3 milyar dolarlık Merkez, 16 Aralık 1997'de [2] halka açıldı ve mimarisi, bahçeleri ve Los Angeles'a bakan manzaraları ile tanınıyor. Merkez, tepenin altındaki ziyaretçilerin otoparkına üç arabalı, kablolu bir hovertrenin insan hareket ettiricisi ile bağlı bir tepenin üzerinde oturuyor. [3]

Los Angeles'ın Brentwood semtinde bulunan Merkez, J. Paul Getty Müzesi'nin iki konumundan biridir ve yılda 1,8 milyon ziyaretçi çekmektedir. (Diğer yer Los Angeles, California'nın Pacific Palisades semtindeki Getty Villa'dır.) Müzenin Merkez şubesinde 20. yüzyıl öncesi Avrupa tabloları, çizimleri, tezhipli el yazmaları, heykeller ve 1830'lardan kalma dekoratif sanatlar ve fotoğraflar bulunmaktadır. dünyanın her yerinden günümüze kadar. [4] [5] Ayrıca, Müze'nin Merkez'deki koleksiyonunda teraslarda ve bahçelerde sergilenen dış mekan heykelleri ve Robert Irwin tarafından tasarlanan büyük Central Garden yer alıyor. Sergilenen eserler arasında Vincent Van Gogh tablosu yer alıyor. süsen.

Mimar Richard Meier tarafından tasarlanan kampüs, Getty Araştırma Enstitüsü (GRI), Getty Koruma Enstitüsü, Getty Vakfı ve J. Paul Getty Trust'a da ev sahipliği yapıyor. Merkezin tasarımı, depremler ve yangınlarla ilgili endişeleri gidermek için özel hükümler içeriyordu.


J. Paul Getty'nin kişisel hayatı

Bu başarı dikkatleri üzerine çekti ve özellikle kadın türünün bu ilgisi ve Getty yalnızca 1920'lerde toplam üç kez evlendi. İş başarısının kendisinden kaynaklandığı babası, oğlunun çapkın doğasından çok rahatsızdı ve ölümü üzerine ona 10 milyon dolarlık servetinin sadece küçük bir kısmını bıraktı. Getty o zamana kadar kendi başına bir multimilyonerdi, babasını bile gölgede bırakıyordu.

Bununla birlikte, 1930'daki ölümünden hemen önce, Getty'nin babası George'un, oğlunun pervasızlığı, kararsızlığı ve para takıntısının nihayetinde birlikte kurdukları şirketin yıkımına yol açacağını söylediği aktarıldı. Yine de kurnaz yatırım ve iş becerisi, genç Getty'nin gelişmesini sağladı. Büyük Buhran'ın mali fırtınasını takdire şayan bir şekilde atlattı ve Tidewater Oil'den Pacific Western Oil Corporation'a kadar petrol şirketlerini satın aldı.


Petrol İmparatorluğu

Mezuniyetin ardından Getty, Amerika Birleşik Devletleri'ne döndü ve Oklahoma'da petrol kiralamaları alıp satarak bir yaban kedisi olarak çalışmaya başladı. 1916'da Getty, başarılı bir kuyudan ilk milyon dolarını kazanmıştı ve Getty Petrol Şirketi'ni kurmak için babasıyla birlikte çalıştı. Yeni servetiyle, 1919'da petrol işine dönmeden önce, Los Angeles'ta kısa bir süre için boş bir hayata emekli oldu.

1920'ler boyunca Getty ve babası, sondaj ve kiralama komisyonculuğu yoluyla servet biriktirmeye devam etti.'Getty 1930'da vefat ettiğinde, Getty 500.000 dolarlık bir miras aldı ve babasının petrol şirketinin başkanı oldu, ancak annesi kontrol hissesini elinde tuttu.

Getty, yeni pozisyonunda şirketi yeniden yapılandırmaya ve sondajdan rafine etmeye, petrol taşımaya ve satmaya kadar her şeyi yapan kendi kendine yeten bir iş haline getirmek için yola çıktı. Getty, 'Pacific Western Oil, Skelly Oil ve Tidewater Oil dahil olmak üzere diğer şirketleri satın almaya ve kontrol etmeye başladı. II. Dünya Savaşı'nın ardından Getty, Kuveyt ile Suudi Arabistan arasındaki "Tarafsız Bölge"ye milyonlarca yatırım yaparak da risk aldı. Kumar 1953'te petrole çarptığında ve yılda 16 milyon varil hızla akmaya başladığında meyvesini verdi.

1957 yılında Talih dergisi Getty'yi dünyanın en zengin adamı seçti. On yıl sonra, ticari çıkarlarını Getty Oil Company'de birleştirdi ve 1970'lerin ortalarında, 2 ila 4 milyar dolar arasında kişisel bir servet kazandığı tahmin ediliyordu.


Villa J. Paul Getty İnşa Edildi Ama Hiç Görmedi

İronik olarak, J. Paul Getty, Getty Villasını hiç görmedi. Ocak 1974'te eski bir Roma lüks evini model alan yeni bir binada müzesinin halka açılmasından iki yıl sonra öldü. Getty'nin Haziran 1976'daki ölümünden sonra, İngiltere'deki mülkünden Pasifik Kıyısındaki “çiftliğine” geri döndü: orada, mülkün kenarında, okyanusa bakan özel bir arsada, en büyüğü ve en büyüğünün yanına gömüldü. Her ikisi de ondan önce ölen en küçük oğulları George ve Timothy.

Galerilerin yenilenmesi ve yeniden kurulmasının ardından Getty Villa, tarihinde yeni bir sayfa açıyor. Getty, yaratılışını hiç görmese de, Villa'yı nasıl inşa ettiğinin ve koleksiyonunu nasıl bir araya getirdiğinin hikayesi bugün bile galerileri kaplıyor. Yenilenmiş odalardan oluşan bir süit - 105 - 108 Galeriler - bu tarihi paylaşıyor. Getty'nin kendi satın aldığı eski sanat eserlerinin yanı sıra arşiv belgeleri de içeren yeni sergiler, nesneleri kültürel bağlamlarına yerleştiriyor ve Getty'nin müzesi ve son dinlenme yeri ile olan kişisel ilişkisine ışık tutuyor.

Çiftlik Evinden Eski Bir Villaya

Getty, bir zamanlar on dokuzuncu yüzyılın başlarından kalma 6.656 dönümlük bir Meksika arazisi olan Rancho Boca de Santa Monica'nın bir parçası olan 64 dönümlük çiftliği II. Theodora (“Teddy”) ata binebilir ve büyüyen sanat koleksiyonunu sergileyebilirdi.

Çiftlik Evi tadilattan önce, 1920 ile 1945 arasında. Getty Araştırma Enstitüsü, Kurumsal Arşivler

Bölgeyi iyi biliyordu, çünkü arkadaşı ve rakip koleksiyoncu William Randolph Hearst'ün aktris Marion Davies için inşa ettiği genişleyen kompleksten sadece birkaç adım ötede, yakınlardaki Santa Monica'da sahilde küçük bir evi vardı. (Davies arazisi şimdi Annenberg Community Beach House, Getty'nin sahil evinin yerini büyük bir modern apartman kompleksi olan 270 Palisades Beach Road aldı.)

Getty, mülkü satın aldıktan sonra, ikinci bir hikaye ve birkaç İspanyol tarzı özellik ekleyerek alçak “Ranch House”u yeniden şekillendirdi. Getty 1951'de Amerika Birleşik Devletleri'nden kalıcı olarak ayrılarak Teddy ve oğulları Timmy'yi geride bıraksa da Çiftlik Evi'ni sanat eserleriyle doldurmaya devam etti ve 1954'te J. Paul Getty Müzesi olarak halka açtı.

1957 ve 1974 yılları arasında Getty Ranch House'daki büyük antika galerisi. Galerinin en ucunda Lansdowne Hercules duruyor. Getty Araştırma Enstitüsü, Kurumsal Arşivler

Zamanla, büyüyen koleksiyonuna uyum sağlamak için binaya ekledi ve 1960'ların sonunda daha da genişlemesi gerekiyordu. Getty'nin mimarları, hepsini reddettiği çeşitli tarzlarda -İspanyol, Avrupa ve modern- çeşitli öneriler hazırladı. Sonunda, MS 79'da Vezüv Dağı'nın patlamasında gömülü olan Herculaeneum'daki antik Villa dei Papiri'nin bir kopyasını inşa etmeye karar verdi.

Antik ve Modern Tarih Buluşuyor

Getty Villa'nın birinci katında yeni kurulan birkaç galeri, hem eski hem de modern tarihlerini anlatan nesnelere sahiptir. Renkli Mermerler Salonu olarak bilinen Galeri 105'e mermer bir Venüs heykeli hakimdir. Getty, "kadınlarla birlikte olmaktan hoşlandığını" kolayca kabul etti ve 1974'te Villa ilk açıldığında, aşk tanrıçasının resimlerine bütün bir galeri ayrılmıştı.

Bu nedenle yeni sergiyi planlarken, bu galerideki iki yerleşik vitrinden ilkinin Venüs'ün çeşitli ortamlardaki temsillerine odaklanmasına karar verdik: pişmiş toprak, mermer ve bronz. Kasadaki en küçük nesne olan, bir zamanlar daha büyük bir figüre tutturulmuş, ince işlenmiş bronz bir tanrıça başı, tek incili altın bir küpenin korunması açısından dikkat çekicidir. İnciler, bugün olduğu gibi antik çağda çok değerliydi ve çok yüksek fiyatlara satılıyordu.

Durumdaki en büyük nesne, bir terracotta grubu Cupids ile bir kanepede uzanmış kadın, hala daha ilgi çekici. Getty'nin satın aldığı ilk "antik". 1939'da, Roma'da opera şarkıcısı olmak için okuyan Teddy'ye kur yaparken, Londra'daki aristokrat bir koleksiyondan satılan eşyalara bir dizi devamsız teklif verdi. Özellikle duvar halılarıyla ilgileniyordu, ancak müzayede kataloğunun aynı sayfasında en çok arzu ettiği bazı nesneler bu pişmiş toprakların listesiydi. On dokuzuncu yüzyılın sonlarında Yunanistan'ın Tanagra bölgesinde bulunan benzerleriyle ilişkilendirildi. Bu sanat eserleri, kompozisyonlarının canlılığı ve antik dünyadaki günlük hayata sağladıkları içgörüler nedeniyle koleksiyoncular arasında popülerdi.

Cupids ile bir kanepede uzanmış bir kadın heykelciği, 1875–90, muhtemelen Yunanistan'da yapıldı. Pişmiş toprak, pigment ve altın, 7 5/16 × 10 5/8 × 4 5/16 inç. J. Paul Getty Müzesi, 78.AK.38. Getty'nin Açık İçerik Programının izniyle dijital görüntü

J. Paul Getty'nin Cam House, Londra'daki Sotheby's müzayede kataloğunun kişisel kopyasının detayı. Getty Araştırma Enstitüsü

Getty, tüm satın alımlarında olduğu gibi, mümkün olan en iyi fiyatı almaya çalışan kurnazdı. Ancak eski Getty Müzesi küratör asistanı Laure Marest-Caffey (şimdi Boston Güzel Sanatlar Müzesi'nde Cornelius ve Emily Vermeule Yunan ve Roma Sanatı Küratörü) tarafından Getty Araştırma Enstitüsü kütüphanesinin koleksiyonlarında yeniden keşfedilen açıklamalı müzayede kataloğu şunu ortaya koyuyor: Getty'nin kendisinin gerçekliği hakkında şüpheleri vardı. Girişin altındaki kenarda "modern mi?" yazdı. Pişmiş toprak saygıdeğer bir İngiliz koleksiyonuna aitti, bu yüzden Getty bir şans almaya istekliydi. 10 sterlinlik düşük teklifi galip geldi, ancak ilk antik eserinin hiç antik olmadığı ortaya çıktı.

Ekrandaki Geçmiş

J. Paul Getty ve koleksiyonlarının büyümesi hakkındaki bu hikaye ve diğerleri Galeri 107'de yenilikçi bir sergide anlatılıyor. J. Paul Getty: Yaşam ve Miras Getty Center'da, Getty'nin en sevdiği antik heykellerden bazılarının yanına kurulan bu interaktif program, ziyaretçilerin Getty'nin ailesi, işi, seyahatleri, koleksiyonlarının gelişimi, karar verme ile ilgili yüzlerce arşiv fotoğrafını, haritayı, grafiği ve diğer kaynakları keşfetmesine olanak tanır. Villa'yı ve kalıcı mirası inşa edin.

Lansdowne Herkül, yaklaşık MS 125, Roma. Mermer, 76 3/16 × 30 1/2 × 28 3/4 inç. J. Paul Getty Müzesi, 70.AA.109. Herkül Tapınağı'nda resmedilmiştir (Galeri 108).

Bu arada Herkül Tapınağı olarak bilinen Galeri 108, yeniden kurulumdan önceki gibi görünüyor, ancak şimdi ünlü Lansdowne Herkül heykelinin altında daha iyi aydınlatma ve daha küçük bir sismik izolatör sunuyor. Bu değişiklik, görkemli polikrom mermer zeminin daha fazlasının, 1750'de Villa dei Papiri'yi keşfeden kuyu kazıcılarının ilk buluntularından birinin bir kopyası olduğunu göstermesini sağlar. Antik villanın kendisi, Atrium'un hemen dışında yeni kurulmuş bir kübikülün odak noktasıdır. , Galeri 101C ve 2019 yazında uluslararası bir kredi sergisine konu olacak.

Getty Villasını hiç ziyaret etmese de mirası devam ediyor. Mimari seçimlerinden topladığı nesnelere kadar, yirminci yüzyıl tarihi, eski zamanlarınkiyle harmanlanarak, bugün bile bizi büyüleyen hikayeler ortaya çıkarıyor.


Getty Müzesinde Sanal Tur

“Palazzo Flangini'den Campo San Marcuola'ya Venedik'teki Büyük Kanal” Canaletto tarafından

'Palazzo Flangini'den Campo San Marcuola'ya Venedik'teki Büyük Kanal', Canaletto tarafından 1738 yılında boyanmıştır.

Bu kompozisyona veduta denir (İtalyanca “view” için), bir şehir manzarasının veya başka bir manzaranın oldukça ayrıntılı, genellikle büyük ölçekli bir resmi anlamına gelir.

Bu vendute tablosu, Cannaregio Kanalı'nın girişine yakın, Venedik, İtalya'daki Büyük Kanal'ın üst kısımlarını tasvir ediyor. Venduta resimleri, 1700'lerin ortalarında Venedik'e gelen zengin turistler arasında popülerdi.

“Modern Rome – Campo Vaccino” J.M.W. Turner

“Modern Roma – Campo Vaccino” J.M.W. Turner, hala puslu ışıkta parıldayan "İnek Merası" anlamına gelen Campo Vaccino olarak adlandırılan, henüz kazılmamış Roma Forumu'nun bir manzara görüntüsüdür.

Roma'ya yaptığı son yolculuğundan on yıl sonra Turner, Roma'yı hafızasından hayal etti. Roma Forumu'nun içindeki ve çevresindeki kiliseler ve antik anıtlar parlak renklere bürünüyor.

Aydan gelen ışık solda yükseliyor. Güneş, sağdaki Capitoline Tepesi'nin arkasında batıyor.

Vincent van Gogh tarafından “İrisler”

“İrisler”, Vincent van Gogh'un birkaç ‘İrisler’ tablosundan biri ve ölümünden önceki yıl Fransa'nın Saint-Rémy kentindeki akıl hastanesinde yaptığı bir dizi resimden biridir.

Van Gogh, birkaç kendini yaralama ve hastaneye yatma olayından sonra 1889'da bir akıl hastanesine girmeyi seçti. Orada, ölümünden önceki yıl içinde 120'den fazla resim yaptı.

İlticaya girdikten kısa bir süre sonra Van Gogh, tımarhanenin bahçesinde doğadan çalışarak İrisler yapmaya başladı. Resme “hastalığım için paratoner” dedi, çünkü resim yapmaya devam ederek çıldırmaktan kendini alıkoyabileceğini hissetti.

“Banyodan Sonra, Sırtını Kuruyan Kadın” tarafından Edgar Degas

Edgar Degas'ın 'Banyodan Sonra, Sırtını Kuruyan Kadın', havlularla kaplı bir sandalyeye diz çökmüş, sağ eliyle bir şey almak ister gibi sırtını sandalyenin arkalığına dayamış bir kadın yüzücünün bir baskısıdır. .

Bu baskı, Degas'ın bu döneme ait, banyo sürecindeki kadınları betimleyen bir dizi fotoğraf, baskı, çizim, pastel ve yağlı ön eskizlerinin bir parçasıdır.

Degas, resimlerinde ışığı ve kompozisyonu incelemek için genellikle eskizleri ve fotoğrafları bir ön adım olarak kullandı. Bu çalışma, bu örnekte olduğu gibi kadınları garip ve doğal olmayan pozisyonlarda tasvir eden bir dizinin parçası.

Degas, izleyicide “anahtar deliğinden bakıyormuşsunuz gibi bir his yaratmayı amaçladığını söyledi.”

“Buğday Yığınları, Kar Etkisi, Sabah” Claude Monet

Claude Monet'in “Wheatstacks, Snow Effect, Morning” adlı kitabı, bir dizi hasat edilmiş buğday yığınının parçasıdır. Seri, Monet'nin 1890 yazının sonlarına doğru başladığı ve Monet'nin aynı yığın konusunu kullanarak daha önceki tabloları üretmesine rağmen, yirmi beş tuvalden oluşuyor.

İzlenimci dizi, Monet'in günün farklı saatlerinde, mevsimler boyunca ve birçok hava türünde farklı ışık ve atmosferi göstermek için aynı temayı tekrar etmesiyle ünlüdür.

Monet'nin Haystacks serisi, günün farklı saatlerinde, mevsimlerde ve hava koşullarında renk algısındaki ince bir farkı göstermek için bir konunun tekrarına dayanan ilk serilerinden biridir.

“Portrait of a Halberdier” tarafından Pontormo

Pontormo'nun 'Bir Halberdier'in Portresi', elinde bir teber tutan bir kale duvarının önünde duran genç bir adamı tasvir ediyor.

Teber, 14. ve 15. yüzyıllarda öne çıkan iki elli bir direk silahıdır ve silahı kullanan birliklere teber denirdi.

Kişinin kimliği mutlak değildir, ancak Floransalı kayıtlar, 1528'de Floransa kuşatması sırasında sanatçının Pontormo'nun bir asker olarak Francesco Guardi adında genç bir asilzade portresi çizdiğini kaydetti.

“Bahar” tarafından Edouard Manet

Édouard Manet'in Bahar eseri, Parisli aktris Jeanne DeMarsy'yi, baharın somutlaşmış hali olarak, gür yeşillik ve mavi gökyüzünün arka planına karşı şemsiyeli ve boneli çiçekli bir elbise içinde tasvir ediyor.

Dengeli ve dümdüz ileri bakıyor, bakışımızın tamamen farkında gibi görünse de, bir kopukluk resmi.

Bu resim, dört mevsimi tasvir etmek için şık Parisli kadınları kullanan planlı bir alegorik eser dörtlüsünün ilkiydi. Fikir, çağdaş kadın, moda ve güzellik idealleriyle kişiselleştirilmiş bir dizi sezon üretmekti.

Dizi hiçbir zaman bitmedi ve Manet, dizinin yalnızca ikinci bölümü olan Sonbahar'ı tamamladıktan bir yıl sonra öldü.

Yunan Kouros (Getty Müzesi)

Getty Müzesi'ndeki bu Yunan Kouros, ilerleyen bir duruşta sakalsız çıplak bir gencin yaşam boyu büyük mermer bir heykelidir.

Modern terim kouros (çoğul kouroi), ilk olarak Antik Yunan'da Arkaik dönemde ortaya çıkan ve çıplak erkek gençleri temsil eden bağımsız antik Yunan heykellerine verilir. Antik Yunan'da kouros, “gençlik, çocuk, özellikle asil rütbeli" anlamına gelir.

Bu tür heykeller, Yunanca konuşulan dünyada bulunur. Bu türün çoğu Apollon kutsal alanlarında bulunmuştur.

“Bahar” tarafından Lawrence Alma-Tadema

Lawrence Alma-Tadema'nın “Bahar”'i, klasik Roma mermeri teraslı bir sokakta Cerealia festivalini tasvir ediyor. Antik Roma dininde Cerealia, tahıl tanrıçası Ceres için kutlanan başlıca festivaldi.

Nisan ortasından sonlarına kadar yedi gün boyunca gerçekleştirildi ve bu resim, parlak renkli çiçekler taşıyan ve giyen mermer merdivenlerden inen kadın ve çocukların alayını gösteriyor.

Tezahürat seyircileri, klasik Roma binalarının tüm gözetleme noktalarını dolduruyor.

Tadema'nın antik Yunan ve Roma dünyasına olan merakı doyumsuzdu ve bilgisi Roma orijinallerine dayanan mimari detaylar, elbise, heykel ve süslemelerle bu tabloya dahil edildi.

“Bir Adamın Portresi”, Paolo Veronese

Paolo Veronese'nin 'Portrait of a Man', sütunlu bir yapının kaidesine yaslanmış bir adamı tasvir ediyor. Sütunlar arasındaki bir nişte, sadece alt kısmı görülebilen dökümlü bir figürün mermer bir heykelidir.

Bu adamın kimliği bir muamma, ancak resimdeki ipuçları konunun mesleğine, belki bir heykeltıraş veya mimarın mesleğine atıfta bulunabilir.

“Euclid’ by Jusepe de Ribera

Jusepe de Ribera'nın Euclid'i, bir masanın arkasındaki gölgelerden ortaya çıkan 'geometrinin babası'nı tasvir ediyor. Çok yıpranmış kitabını çeşitli geometrik şekiller ve Sahte-Yunanca karakterlerle sergileyen ciddi bir bilgin olarak sunuldu.

De Ribera, dağınık sakalından alnındaki kırışıklara ve koyu renk gözlerinin üzerindeki göz kapaklarının kıvrımlarına kadar tüm becerilerini adamın yüz detaylarına odakladı.

Öklid'in maddi arayışlardan ziyade entelektüel arayışlara olan bağlılığını vurgulamak için giysileri parçalanmış ve kararmış, kirli parmakları olan bir adam olarak tasvir edilmiştir.

Titian tarafından “Venüs ve Adonis”

Titian'ın “Venüs ve Adonis”'i, Venüs'ü sevgilisi Adonis'i ava çıkmaktan alıkoymaya çalışırken tasvir ediyor. Köpekleri, Ovidius'un Metamorfozlarında ayrıntılı olarak anlatıldığı gibi, onun sabırsızlığını yansıtarak tasmalarını zorluyor.

Aşk tanrısı arka planda uyur, Adonis'in Venüs'ün kucaklaşmasına karşı direncinin bir sembolü. Hikaye, bir sabah Venüs'ün gökyüzündeki arabasıyla ayrıldığında, Adonis'in tazılarının bir yaban domuzunu uyandırması ve bunun üzerine ona dönmesi anlatılır.

Venüs, Adonis'in inlemelerini duyar, arabasından atlar ve onu ölürken bulur. Sevgilisinin kanından, yaprakları rüzgarda saçılan kırılgan bir çiçek yaratır, Yunanca anemon'un rüzgar çiçeği' olarak adlandırılır.

“Marquise de Miramon Portresi”, James Tissot

James Tissot tarafından kaleme alınan 'Marquise de Miramon'un Portresi', Markizi gül renginde, fırfırlı bir sabahlık giymiş olarak tasvir ediyor. Boynunda siyah dantel bir fular ve gümüş bir haç var.

Arkasında altın bir arka plan üzerinde vinçleri gösteren şık bir Japon ekranı ve şöminenin üzerinde birkaç Japon seramiği var.

Louis XVI taburesi ve pişmiş toprak büstü, onun aristokrat statüsünü gösteriyor. Bu tablo Paris Dünya Fuarı'nda sergilendi. Thérèse Feuillant (1836 – 1912) babasından bir servet miras aldı ve 1860'ta Réné de Cassagne de Beaufort, Marquis de Miramon ile evlendi.

“Bayraklarla Giyinmiş Sokağı Mosnier” by Édouard Manet

Édouard Manet'nin 'Bayraklarla Giyinmiş Sokağı Mosnier', 30 Haziran 1878'de gerçekleşen ilk ulusal bayram için Fransız bayraklarıyla süslenmiş bir Paris caddesini tasvir ediyor. Buna “Fête de la Paix,” veya İngilizce, “Barış Kutlaması”

Şimdi Rue de Berne olarak adlandırılan Rue Mosnier, Manet'nin 4 Rue de Saint-Pétersbourg adresindeki stüdyosundan görülebiliyordu. Bu tuval, yol boyunca binalardan sarkan üç renkli bayraklarla ikinci kat penceresinden görünümü gösteriyor.

Manet tatil öğleden sonrasını kompozisyonun üst yarısında cadde boyunca dalgalanan Fransız bayrağının kırmızı, beyaz ve mavilerinin vatansever bir uyumuyla yakaladı.

Kompozisyonun alt yarısında koltuk değneklerinde tek bacaklı bir adam, muhtemelen Fransa-Prusya Savaşı'nda yaralanmış bir gazi var. Ayrıca, altta merdiven taşıyan bir adam, solda ise inşaat işlerinden molozları tutan bir çit var.

Kentsel sokak, Empresyonist ve Modernist ressamların ilgilendiği bir konuydu. Manet, Sanayi Çağı'nın dönüşümünü ve büyümesini ve toplumu nasıl etkilediğini yansıttı.


Çiçek Tacının Kadim Kökenleri

Çiçek taç bugün Coachella eğlenceleri ve boho gelinler ile eşanlamlı moda bir aksesuardır, ancak yeni değil: taç olarak yaprak ve çiçek takmanın eski klasik dünyaya uzanan zengin bir geçmişi vardır.

Çelengin dairesel veya at nalı şekli antik çağlardan beri görkem, güç ve sonsuzluğun simgesi olmuştur. Antik Yunan ve Roma'da, mersin ve sarmaşık yaprakları gibi yün ve yapraklardan birçok taç yapılır ve zaman içinde çeşitli çağrışımlar yapan farklı çiçeklerle süslenirdi.

Antik tanrılar ve tanrıçalar genellikle sanatta ve edebiyatta kendilerine adanmış özel bitkiler giyerek temsil edilirdi. Ovid'de metamorfozlar, güzel su perisi Daphne, peşindeki tanrı Apollon'dan kendini bir defne ağacına çevirerek kurtulmayı başarır. Apollon ağaçtan bir dal keser ve “Karım olamasan da, hiç olmazsa ağacım olursun, seni her zaman saçıma, sadağıma takacağım, ey Laurel” diye haykırır. (557–559). Sözünü tutar ve sonuç olarak, Daphne'ye olan sevgisinin bir sembolü olarak genellikle bir defne çelengi takmış olarak tasvir edilir. Apollo, şairlerin ve yazarların tanrısıdır ve bugün kullandığımız şair laureate terimi bu efsaneden gelmektedir.

Beyaz kavak yaprakları, geleneğe göre ağacı Yunanistan'ın kuzeybatısından Olympia'ya ithal eden Herkül ile ilişkilendirildi.

Bir çelenk giyen Herkül. Herkül Heykeli, MS 100–199, Roma. Çok renkli mermer, 46 inç yüksekliğinde. J. Paul Getty Müzesi, 73.AA.43.1. Getty'nin Açık İçerik Programının izniyle dijital görüntü

Eski Yunanlılar, tacı ilk olarak atletik, askeri, şiirsel ve müzikal yarışmalarda kazananlar için onursal bir ödül olarak tanıttılar. Örneğin, her dört yılda bir Delphi'de Apollo'nun onuruna Pythian Oyunları düzenlenir ve kazananlara geleneksel olarak bir defne çelengi verilirdi. Defne defne ağacı Akdeniz bölgesine özgüdür ve zaferin, başarının ve statünün önemli bir sembolü olarak durmuştur.

Aşağıda gösterilen çıplak genç adam gibi, atletik yarışmaların galiplerine de zeytin çelenkleri verildi. Olimpiyat oyunlarının yapıldığı Olympia'da yabani zeytin ağaçları yetişir ve bu oyunları kazananlara ödül olarak zeytin çelenkleri verilirdi. Bir koşucu, güreşçi ya da halterci olabilir, kendini taçlandıran ya da çelengi tanrılara adamak için dindarlığın bir işareti olarak kaldıran bir kişi olabilir.

Kendini zeytin çelengi ile taçlandıran genç bir adam. Muzaffer Bir Gençlik Heykeli, MÖ 300–100, Yunan, işlemeli bakır nipelli Bronz, 59 5/8 inç yüksekliğinde. J. Paul Getty Müzesi, 77.AB.30. Getty'nin Açık İçerik Programının izniyle dijital görüntü

Defne çelenginin sembolizmi bugüne kadar hayatta kaldı. Örneğin, 2016 Rio Olimpiyatları için madalya tasarımında belirgin bir şekilde yer aldı.

Eski Romalılar, zafer için bir ödül olarak taç geleneğini sürdürdüler. Liderlerini ve askeri personelini defne, meşe veya mersin ağacından yapılmış taçlarla giydirdiler. Çim taç veya korona obsidionalis kuşatılmış bir ordu tarafından onları kurtaran generale verilen en yüksek askeri onurdu. Ordunun saldırıya uğradığı yerde toplanan otlardan, yabani otlardan ve kır çiçeklerinden yapılmıştı.

Bir defne çelengi takan bir adamın profili, muhtemelen yüksek askeri rütbeye sahip olduğunu gösteriyor. Cameo, 1700'ler–1800'ler, Avrupa. J. Paul Getty Müzesi, 83.AL.257.15, Eli Cidde'nin Mirası. Getty'nin Açık İçerik Programının izniyle dijital görüntü

Çiçek taçları da bayramlar ve kutlamalar için giyilirdi, tıpkı bugün olduğu gibi, tanrılara kurbanlar ve ziyafetler gibi olaylarda gelenekseldi. Yunan erkeklerinin sempozyumlarda (aristokrat içki partileri) tasvirlerinde genellikle çelenk takan figürler görüyoruz. Kafalarına sıkı bir fileto bağlamanın sarhoşluklarını azaltabileceğine inanıyorlardı - ancak günümüz festivallerine katılanlar aynı fikirde olmayabilir. Bunlar başlangıçta yünden yapılmıştı, ancak daha sonra gül, menekşe, mersin ve maydanozdan çiçekler ve yapraklarla süslendi.

Bir Gençlik ve Bir Adamla Şarap Bardağı, MÖ 450-440, Euaion Ressamı'na atfedilir. Pişmiş toprak, 15 9/16 inç çap. J. Paul Getty Müzesi, 86.AE.682. Getty'nin Açık İçerik Programının izniyle dijital görüntü

Roma'da Floralia festivali çiçek, bitki örtüsü ve bahar tanrıçası Flora'nın onuruna düzenlendi - bu nedenle çiçek yaprakları ve iç içe sarmaşıklardan yapılmış bir başlığın olmazsa olmaz bir aksesuar olması şaşırtıcı değil. Flora heykelinin bu temsilinde, çiçek tacını tutarken tasvir edilmiştir.

Farnese Flora heykelciği, 1871, William Chaffers. Woodburytype, 4 3/4 × 3 11/16 inç. J. Paul Getty Müzesi, 84.XB.935.23.3.83. Getty'nin Açık İçerik Programının izniyle dijital görüntü

Avrupa'da bu dini bayram daha sonra laik 1 Mayıs olarak kutlandı. Alma-Tadema'nın resminde Bahar, sanatçı bu kutlamayı ve Mayıs ayının ilk günü çocukları çiçek toplamaya gönderme geleneğini temsil ediyor. Kadınlar ve çocuklardan oluşan bir alay, renkli çiçek taçları takar ve çiçek sepetleri taşır. Alma-Tadema antik dünyaya takıntılıydı ve bu Viktorya dönemi kutlamasını hayali bir antik Roma'da bile ayarladı.

Parlak renkli çiçek taçları giyen kadın ve çocuklardan oluşan bir alayı. Bahar, 1894, Lawrence Alma-Tadema. Tuval üzerine yağlı boya, 70 1/4 × 31 5/8 inç. J. Paul Getty Müzesi, 72.PA.3. Digital image courtesy of the Getty’s Open Content Program

Although the flower crown was popular in the ancient world, as Christianity spread it fell out of favor due to its association with pagan festivals. But it made a comeback in Renaissance art, as artists and scholars looked again to the classical past for inspiration.

In modern times we often see flower crowns used as a reminder of the ancient Mediterranean world. As just one example, German photographer Baron Wilhelm von Gloeden used the flower crowns in portraits he created of in Sicily, as a symbol of his subjects’ ancient heritage.

A boy wearing a lily wreath. Boy with Lillies, about 1890–1914, Baron Wilhelm von Gloeden. Toned gelatin silver print, 8 3/8 × 6 1/4 in. The J. Paul Getty Museum, 84.XM.631.12. Digital image courtesy of the Getty’s Open Content Program

Even the bridal crown, it turns out, has ancient roots. The Roman bride would wear a crown made of verbena that she herself had picked. In modern times, Queen Victoria made the practice fashionable by wearing a crown of orange blossoms in her hair on her wedding day to prince Albert on February 10, 1840. It was also during the Victorian era that interest in “floriography” rose, with women often depicted wearing flowers to communicate a personal attribute. The orange blossom, for example, is a symbol of chastity.

Portrait of a Bride with Orange Blossoms, 1907 – 1943, Louis Fleckenstein. Gelatin silver print, 9 7/16 x 7 in. The J. Paul Getty Museum, 85.XM.28.275. Digital image courtesy of the Getty’s Open Content Program.

Today the trend of wearable fronds and flowers continues in a variety of ways—as a symbol of victory, celebration, love, romance, or femininity, whether you’re wearing a wreath to a festival or donning a digital version on Snapchat.

Want to try it for yourself?

Try it at home with these YouTube tutorials.

Daha fazla okuma

A few good sources for delving deeper into the historical roots of the flower crown:


Ewan McGregor, 50, welcomes secret baby boy - and daughter lets slip the name

Hancock's wife �ook pals with mistress & thought marriage was happy'

Güneşi takip et

Hizmetler

©News Group Newspapers Limited, İngiltere No. 679215 Kayıtlı ofis: 1 London Bridge Street, Londra, SE1 9GF. "The Sun", "Sun", "Sun Online" News Group Newspapers Limited şirketinin tescilli ticari markaları veya ticari adlarıdır. Bu hizmet, Gizlilik ve Çerez Politikamıza uygun olarak News Group Newspapers' Limited'in Standart Hüküm ve Koşullarında sağlanmaktadır. Materyali çoğaltmak için bir lisans hakkında bilgi almak için Sendikasyon sitemizi ziyaret edin. Çevrimiçi Basın Paketimizi görüntüleyin. Diğer sorularınız için Bize Ulaşın. The Sun'daki tüm içeriği görmek için lütfen Site Haritasını kullanın. Sun web sitesi, Bağımsız Basın Standartları Organizasyonu (IPSO) tarafından düzenlenmektedir.


Press Release

J. PAUL GETTY MUSEUM ACQUIRES MAJOR 19 th -CENTURY LANDSCAPE PAINTING

BY ITALIAN ARTIST GIOVANNI SEGANTINI

The lush mountain scene was commissioned for American collector Jacob Stern

and was on public view in San Francisco for more than 70 years

Spring in the Alps, 1897
By Giovanni Segantini

On view at the Getty Museum, Getty Center, Los Angeles beginning February 12

LOS ANGELES – The J. Paul Getty Museum announced today the acquisition of Spring in the Alps, 1897, by Giovanni Segantini (Italian, 1858-1899). Originally painted for Jacob Stern, a San Francisco collector and director of Levi Strauss & Co, the painting has a long connection to California. It was on continuous loan to Legion of Honor in San Francisco from 1928 until it was sold by Stern’s descendants in 1999.

“Giovanni Segantini was at the peak of his career when he created this luminous panoramic scene,” said Timothy Potts, director of the Getty Museum. “Featuring his characteristic thick brushstrokes and brilliant color palette—which includes flecks of gold leaf—the painting is among the most extraordinary and captivating landscapes produced in Europe at the end of the 19th century. It will resonate powerfully alongside our great Impressionist and Post-Impressionist works from France and paintings by northern European artists of the era. Significantly, with this acquisition, Spring in the Alps finds a permanent public home in California, its original destination, and we hope museum-goers from San Francisco, where it was on view for more than 70 years, will visit the painting at the Getty when they are in Los Angeles.”

At more than four by seven feet, Spring in the Alps is a monumental, sweeping depiction of an alpine landscape near the village of Soglio in Switzerland, with its recognizable church tower visible on the right side of the picture. The view is of an expansive plateau and valley ringed by glaciers and majestic snow-capped mountains. In the middle of the composition a farm woman dressed in a blue and red peasant costume characteristic of eastern Switzerland leads two large horses past a watering trough. They are coming from a freshly plowed field where a sower scatters seeds and a black and white dog stands guard. The scene is sunny and colorful, emphasizing a glorious vista with a brilliant blue sky and ribbons of clouds.

Segantini painted the sizeable canvas in the open air, with additional work completed in the studio. He took liberties with the topography to suit his composition, adjusting the relative scale of the mountains, the perspective of the valley, and the position of the town. He created the vibrant color scheme and brilliant effects of light following the principles of Divisionism, the practice of juxtaposing pure local colors in the belief that the hues mix optically in the eye of the viewer, creating especially luminous effects. This pseudo-scientific movement in painting was first launched in France in the 1880s by George Seurat and Paul Signac, where it was dubbed “Neo-Impressionism.” The movement was subsequently adopted by Italian painters, with Segantini becoming a principal exponent. In contrast to Seurat’s pointillist brushstrokes, Segantini employed long, thin strokes of contrasting color. The rich impasto and the tactile, almost woven, quality of the painted surface, marvelously capture the crisp transparency of the atmosphere, the harshness of the rocks, the thickness of the grass, and the roughness of the skin of the animals.

Spring in the Alps is a joyous hymn to the cycle of life and the reawakening of nature in spring after a long, hard winter,” said Davide Gasparotto, senior curator of paintings at the Getty. “It is an extraordinarily accomplished work where symbolism and naturalism are inextricably intertwined. Segantini himself counted it among his absolute masterpieces. Panoramic in scale and astonishingly luminous, Spring in the Alps is one of the greatest paintings of the Italian Ottocento in America, an iconic work that expands our ability to tell the story of 19th-century European painting.”

Spring in the Alps was commissioned by the American painter Toby E. Rosenthal (1848-1917), who resided in Munich, for San Francisco businessman and collector Jacob Stern (1851-1927), whose father, David Stern, co-founded Levi Strauss & Co. Segantini exhibited the picture at the 7th Munich Secession in 1897 and then took the painting back to his studio in Switzerland where he made further adjustments. In early 1899 the picture was sent to San Francisco to be the centerpiece of Stern’s collection. It was so well known even then, that the painting’s rescue from the 1906 earthquake and fire was reported in the national press. Upon Stern’s death in 1927, and in accordance with his wishes, Spring in the Alps was loaned by his heirs to the California Palace of the Legion of Honor. There it stayed on public view for more than 70 years. In 1999 the estate of Stern’s heir sold the picture at auction in New York.

Born in Arco (Trento) in 1858, Giovanni Segantini counts among the most important Italian artists of his generation. He was internationally famous for his dreamy Alpine landscapes, which combine elements of Jean-François Millet’s reverent naturalism with Georges Seurat’s dappled Divisionist technique and the allegorical subjectivity of the work of contemporary Symbolists, from Gustav Klimt to Paul Gauguin. Segantini&rsquos work represents the transition from traditional nineteenth-century art to the changing styles and interests of the twentieth century.

Orphaned as a boy, Segantini was apprenticed to a photographer in Milan, where in 1873 he began attending night classes at the Brera’s Academy of Fine Arts. In the early 1880s, on the advice of the painter-dealer Vittore Grubicy de Dragon, he experimented with plein-air painting during an extended visit to the Brianza region. Marketed by Grubicy, with whom Segantini signed an exclusive contract in 1883, the resulting landscapes attracted international attention and quickly made their author’s fortune. Segantini settled in the picturesque Swiss valley of the Engadine, where he painted views of the surrounding mountains for the rest of his career, often carting his enormous canvases out into the elements to work directly from nature. Despite his somewhat remote location, Segantini kept abreast of the contemporary art scene, maintaining a lively correspondence with Gustav Klimt, Max Liebermann, and others, while his work was exhibited in London, Amsterdam, Paris, and Munich.

In 1897, Segantini was commissioned by a group of local hotels to build a huge panorama of the Engadin valley to be shown in a specially built round hall at the 1900 Exposition Universelle in Paris. Before it was completed, however, the project had to be scaled down for financial reasons. Segantini redesigned the concept into a large triptych known as Life, Nature, and Death (Museo Segantini, St. Moritz), which is now his most famous work. Eager to finish the third part of his large triptych, Nature, Segantini returned in 1899 to the mountains near Schafberg. The pace of his work, coupled with the high altitude, affected his health, and in mid-September he became ill with acute peritonitis. Two weeks later he died at the age of 41. Two years later the largest Segantini retrospective to date took place in Vienna. In 1908, the Museo Segantini was established in St. Moritz, Switzerland.

Spring in the Alps joins another important work by Segantini in the Getty Museum’s collection, Study for “La Vita” (1897), a large pastel that parallels the painting’s composition and is dedicated to his friend Toby Rosenthal, who facilitated the commission of Spring in the Alps from Jacob Stern. In excellent condition, Spring in the Alps comes to the Getty in the elaborate frame that the artist originally designed for it. It will be put on exhibition in the Museum’s West Pavilion on February 12th, alongside other works of art from 19th century Europe.


The J. Paul Getty Trust is an international cultural and philanthropic institution devoted to the visual arts that includes the J. Paul Getty Museum, the Getty Research Institute, the Getty Conservation Institute, and the Getty Foundation. The J. Paul Getty Trust and Getty programs serve a varied audience from two locations: the Getty Center in Los Angeles and the Getty Villa in Pacific Palisades.

J. Paul Getty Müzesi collects Greek and Roman antiquities, European paintings, drawings, manuscripts, sculpture and decorative arts to 1900, as well as photographs from around the world to the present day. The Museum’s mission is to display and interpret its collections, and present important loan exhibitions and publications for the enjoyment and education of visitors locally and internationally. This is supported by an active program of research, conservation, and public programs that seek to deepen our knowledge of and connection to works of art.


Press Release

The Thrill of the Chase: The Wagstaff Collection of Photographs will be exhibited Alongside Robert Mapplethorpe: The Perfect Medium

LOS ANGELES – From 1973 to 1984, Samuel J. Wagstaff Jr. (American, 1921-1987) assembled one of the most important private collections of photographs in the world. With more than 26,000 objects, the collection spans the experimental beginnings of photography in the nineteenth-century to the works of artists active in the 1970s and 1980s. In 1984 Wagstaff sold his collection to the J. Paul Getty Museum, and thirty-two years later it remains the Museum’s single largest holding of art from one source. The Thrill of the Chase: The Wagstaff Collection of Photographs, on view March 15-July 31, 2016 at the J. Paul Getty Museum, Getty Center, features a selection of works from Wagstaff’s collection, offering a look at how his broad and idiosyncratic tastes helped to expand the photographic canon.

“The acquisition of Samuel Wagstaff’s collection of photographs in 1984 was a landmark event in the Museum’s short history,” explains Timothy Potts, director of the J. Paul Getty Museum. “In one move, the Getty became the custodian of one of the most important private collections of photographs in the world, thus setting the stage for the Museum to become, as it since has, one of the preeminent public photographic collections of the world. Wagstaff’s eye for quality and voracious appetite for collecting, ranging from Fox Talbot, Nadar and Man Ray to Lange, Arbus and Hujar, set him apart from his peers and fueled his reputation as a connoisseur and taste-maker in photography as a art form—a status that was still not yet universally acknowledged. This exhibition is the first to give Wagstaff’s critical role in photographic history its due."


Mrs. Herbert Duckworth, 1867. Julia Margaret Cameron (British, born India, 1815 - 1879). Albumen silver print. 34 x 24.9 cm (13 3/8 x 9 13/16 in.) The J. Paul Getty Museum, Los Angeles.

Born into a socially prominent New York City family, Wagstaff attended Yale University and the Institute of Fine Arts at New York University before working as a curator at the Wadsworth Atheneum in Hartford, Connecticut, and the Detroit Institute of the Arts. While he was a champion of contemporary art and organized numerous innovative exhibitions, it was not until he met the artist Robert Mapplethorpe (American, 1946-1989) that he developed an interest in collecting photographs. The two met in 1972 and became lovers, with Wagstaff supporting Mapplethorpe’s fledging career and Mapplethorpe helping Wagstaff understand the value of photography as art. Within a few short years, Wagstaff became a preeminent collector in a still young market.

Wagstaff promoted photography as an art form by exhibiting, publishing, and lecturing on his collection. In 1978 he organized the exhibition Photographs from the Collection of Sam Wagstaff, which opened at the Corcoran Gallery of Art in Washington, D.C. before beginning a seventeen-venue tour. His reputation as an arbiter of taste provided an impetus for museums to collect photographs and for scholars to devote their studies to photography.

“In addition to frequenting auctions in New York, London, and Paris, Wagstaff would often troll secondhand shops and flea markets during his travels, and come back with shopping bags full of prints,” says Paul Martineau, associate curator of photographs at the J. Paul Getty Museum and curator of the exhibition. “Wagstaff had a knack for discovering photographs by unknown makers that were deserving of attention and was bold enough to hang these works next to those by the established masters.” The Wagstaff Collection is known for its quality and breadth, and the exhibition will include photographs by the medium’s pioneers, including William Henry Fox Talbot, Hill & Adamson, Gustave Le Gray, Nadar, and Julia Margaret Cameron. Wagstaff also had an eye for early twentieth-century photography, purchasing prints by Adolf de Meyer, Edward Steichen, Man Ray, August Sander, Edward Weston, and Dorothea Lange. Contemporary photographs are represented in the collection with works by William Eggleston, Diane Arbus, William Garnett, Larry Clark, Jo Ann Callis, and Peter Hujar.

After Wagstaff sold his collection of photographs to the Getty Museum in 1984, he turned to nineteenth-century American silver, and quickly amassed one of the finest collections in the field. On view in the exhibition is a Gorham sterling ice bowl and spoon fashioned in the shape of blocks of ice with cast icicles and polar bear handles. Wagstaff pestered Mapplethorpe to photograph the ice bowl, so it could be reproduced in a catalogue for an exhibition of Wagstaff’s collection of silver at the New York Historical society (that photograph is on view in Robert Mapplethorpe: The Perfect Medium). Sadly, the catalogue was never published and Wagstaff died from AIDS-related complications, just two months before the exhibition opened.

“The story of Wagstaff’s late-in-life interest in silver underscores the core values that made him successful as a collector of photographs,” adds Martineau. “He began with a medium that he thought was remarkable and undervalued, and put all of his resources into building a world-class collection.”

The Thrill of the Chase: The Wagstaff Collection of Photographs is on view March 15-July 31, 2016 at the J. Paul Getty Museum, Getty Center. The exhibition is curated by Paul Martineau, associate curator of photographs at the J. Paul Getty Museum. The exhibition will be displayed in galleries adjacent to Robert Mapplethorpe: The Perfect Medium, also on view March 15-July 31, 2015 at the Getty and March 20-July 31, 2015 at the Los Angeles County Museum of Art (LACMA). The Wagstaff exhibition will then travel to the Wadsworth Atheneum September 10-December 11, 2016 and the Portland Art Museum in Maine February 1-April 30, 2017.

The J. Paul Getty Trust is an international cultural and philanthropic institution devoted to the visual arts that includes the J. Paul Getty Museum, the Getty Research Institute, the Getty Conservation Institute, and the Getty Foundation. The J. Paul Getty Trust and Getty programs serve a varied audience from two locations: the Getty Center in Los Angeles and the Getty Villa in Pacific Palisades.

J. Paul Getty Müzesi collects Greek and Roman antiquities, European paintings, drawings, manuscripts, sculpture and decorative arts to 1900, as well as photographs from around the world to the present day. The Museum&rsquos mission is to display and interpret its collections, and present important loan exhibitions and publications for the enjoyment and education of visitors locally and internationally. This is supported by an active program of research, conservation, and public programs that seek to deepen our knowledge of and connection to works of art.


Videoyu izle: EL MULTIMILLONARIO AVARO QUE NO QUERÍA PAGAR EL RESCATE DE SU NIETO - PAUL GETTY